Au hasard Balthazar / Robert Bresson (1966)

Película hermosa y a la vez cruel, triste. Bresson nos presenta a uno de los personajes más lindos y «sencillo» dentro del cine, Balthazar. Esta es una gran película donde todo lo que vemos, lo presenciamos por medio de un burro (Balthazar). Éste personaje es testigo del humano; un humano cruel, feliz, estúpido, amoroso… es testigo de la ironía del ser humano.

Me parece que la película se hace desde la perspectiva de un Balthazar ya que Bresson nos intenta decir cómo todas nuestras estupideces como humanos las cometemos sin importar nuestro entorno, nuestro prójimo. Y que las consecuencias de nuestros actos no se piensan. Somos tan egoístas que sólo pensamos en nosotros y no cómo podemos lastimar a los demás.

Zemlya / Aleksandr Dovzhenko (1930)

Gran joya de la historia del cine. Es impresionante cómo una película silente logra gritar a través de la cinematografía, de las imágenes tan poéticas, como es en el caso de Zemlya (Tierra).

Dovzhenko logra dar un discurso sobre la vida, la muerte, el trabajo rural, la industrialización que va más allá de la complejidad de conceptos de orden político-social. Logra un discurso acerca del humano; cómo el humano es capaz de estar y vivir, cómo se adapta, cómo toma la vida, qué tan resilente es. Lo más impresionante de su película es la gran poesía que logra dentro de sus imágenes y, por lo tanto, discurso.

India Song / Marguerite Duras (1975)

Pienso que la dificultad dentro de la película se mueve en el encontrar el significado a lo que se dice en diálogos y sobre todo, en imagen. Por lo tanto, creo que India Song es una película difícil ya que si te pierdes de algún elemento de lo que se dice y ve, perdiste el juego contra Marguerite Duras.

Lamentablemente para mí me es muy difícil distinguir la linea entre lo poético, lo lleno de significado de India Song, con la gestualidad exagerada y visualmente ridícula (no digo que sea mala ni ridícula esta gran película, sino que usa un lenguaje visual que a mí me incomoda de cierta manera). Ahora bien, hay cosas que sí se distinguen dentro de la genialidad de Marguerite Duras, una de ellas es la cuestión del sonido; durante toda la película escuchamos voz en off, gesticulación ausente de los personajes vistos en pantalla y así es como genera un discurso totalmente distinto.

Esto me lleva a la siguiente pregunta ¿qué hace a una película que sea buena o no?, sin duda alguna pienso, de manera resumida, que es una suma del lenguaje que se utiliza, los recursos visuales, el peso del discurso y un elemento un tanto místico de la intimidad que la película logre en uno como espectador y el tema del que habla. Es así como podemos llegar a la conclusión de que India Song es una gran película más allá de la incomodidad que pueda lograr en sus espectadores.

Matka Joanna od aniolów / Jerzy Kawalerowicz (1961)

Película polaca muy extraña pero efectiva. Kawalerowicz nos entrega una película con tema religioso y con el exorcismo como tema principal. Hace un ensayo de la sanidad o enfermedad del humano respecto a la locura; todo lo dirige en cuestión de la iglesia ya que las afectadas son una serie de monjas pertenecientes a un convento en una pequeña ciudad polaca. Tomemos siempre en cuenta que es una película de 1961 y la temática la toma con mucha soltura.

La estética de la película es bastante interesante. Es una fotografía súper simétrica donde Jerzy Wójcik, director de fotografía, se impone a muchos grandes, sin embargo esta joya de control de cámara no es reconocida como algunos que no deberían de serlo tanto; de igual manera, cuenta con una edición donde hacen que el espectador esté más cercano a esta historia de terror. De verdad me solía poner nervioso al no ver las caras de los personajes durante la película.

Francesco, giullare di Dio / Roberto Rossellini (1950)

Roberto Rossellini es, sin duda, uno de los más grandes cineastas de la historia, lo deja claro en sus trilogías sobre la posguerra y la que hizo con Ingrid Bergman; ahora bien, uno de sus más grandes retos y logro como director es que siendo ateo, haya podido hacer una película tan llena de significado y belleza como lo es Francesco, giullare di Dio. 

Esta es una película que nos adentra al modus vivendi de San Francisco de Asís y sus seguidores que a través del altruismo y solidaridad hacia los humanos, logran satisfacer su sentido de vida. Rossellini nos narra los problemas, las trivialidades, el día a día de estas personas. El personaje más emblemático es Ginepro, un joven seguidor que la inocencia transforma sus tragedias en comedia y aprendizaje para el espectador.

Creo que esta película tiene unos pasajes poéticos, el que más rescato es cuando Francisco se encuentra con el leproso. Pienso que ahí la humanidad y la divinidad de Francisco hacen un juego muy interesante. En un principio hay un dejo de asco en la reacción de éste pero lo que a continuación vemos, es algo muy bonito. La misericordia que tiene nuestro personaje hacia el leproso es un momento fuerte ya que la misma desconfianza del enfermo hace que Francisco sea ignorado de cierta manera; al no lograr hacer algo por el enfermo, nuestro personaje principal se tira lamentándose al suelo lleno de flores blancas que en la noche parecen estrellas, la cámara hace un tilteo hacia arriba y vemos un cielo sin estrellas. Momento y película gloriosa de Rossellini.

Du côté de la côte / Agnès Varda (1958)

Agnès Varda es una joya de directora, hace poco la descubrí con Cléo de 5 à 7 y su cine es espectacular. Ahora con este corto de carácter turístico, hace una genialidad en un lapso de tiempo bastante corto. Hay una estética brutal y una creatividad de cortes y colores que parece insuperable. Agnès logra unas imágenes impresionantes a través de la colocación de los sujetos y objetos, en una escena, logra que la gente que está acostada en la playa parezca que tienen cabezas de perros sólo a través de la colocación y angulación de la cámara.

Splendor / Ettore Scola (1989)

Una gran película llena de hermosura y cine. La dupla de Marcello Mastroianni y Massimo Troisi es épica, hacen una dinámica de y para el cine, donde hacen un recorrido de la historia, las glorias y los problemas de este arte. Me parece muy bonita la dinámica al ver la película con un grupo del cine ya que cada quien hacía sonidos (risas en especial) al reconocer las joyas del cine que ponen en el Splendor.

Es un ensayo muy bonito de la historia del cine y cómo el dueño y un proyeccionista hacen todos los esfuerzos posibles para mantener en pie el edificio y negocio que ha visto pasar generación tras generación. Me causó mucha nostalgia ver el inicio cuando las proyecciones empiezan en la calle y, cuando la película termina, se proyecta dentro del Splendor la misma escena junto a los créditos. Es una película realmente hermosa.

Sullivan’s Travels / Preston Sturges (1941)

Lo que hace Preston Sturges es una genialidad, se burla del rico (siendo él rico) por la patética lástima que suelen sentir hacia la gente de bajos recursos. Es un gran chiste cómo Sullivan quiere saber qué es ser pobre y las situaciones en las que estas personas se encuentran, cuando ni en la experiencia más fuerte lo podrá saber ya que tiene una fortuna detrás que lo mantiene tranquilo y en una zona de seguridad en la que en cualquier momento puede salir de la pobreza. La mayor de las burlas está cuando Sullivan comienza a regalar dinero a los indigentes pero en este caso, me parece que Preston Sturges lo castiga y hace que en verdad el personaje permanezca en una situación de incluso esclavitud.

El final está bastante bien resuelto ya que Sullivan comprende por qué se tiene que preocupar en realidad y cómo no se tienen que forzar las cosas, en lugar de intentar estar en una situación que circunstancialmente no puede estar, hay cosas en su vida por resolver para poder vivir mejor. La manera de ayudar a los de clase baja es a través de la risa en lugar del dinero como es que lo quería hacer.

Amator / Krzysztof Kieslowski (1979)

En esta película, Kieslowski da un abrazo a todos aquellos que hacemos cine, hace una película donde muestra la vida de Filip, un sujeto que decide invertir en una cámara y comienza a experimentar en una narrativa bastante convencional y carente de estética. Lo que explota las acciones del personaje principal con su cámara, son las memorias que logra plasmar para la gente que lo rodea.

Es bastante interesante la dinámica que tiene con aquellos que están envueltos en la cinematografía y, por lo tanto, festivales. El protagonista se envuelve en este juego de los premios de una manera casi involuntaria. Es una gran verdad plasmada por Kieslowski, una verdad que da un impulso a quienes la vemos en lo que se tiene que hacer y lo que no.

Te / István Szabó (1963)

¿Cómo aprovechar que haces cine para conquistar a una mujer? la respuesta la tiene István Szabó con este ejercicio. Estoy totalmente de acuerdo que él lo hace con estas intenciones pero en verdad le queda un cortometraje muy lindo, en el que incluye la poética belleza de la mujer. Es un ejercicio de retrato de una chica en la que el foco está en ella y en la estética de su alrededor.

Tal vez pueda resultar buena práctica a nivel amoroso y cinematográfico aplicar la técnica de Szabó.