Glas / Bert Haanstra (1958)

Otra gran joya del montaje. Este corto de encargo es evidencia de la imaginación y creatividad que un realizador puede tener; cuando Bert Haanstra decide acompañar la imagen con jazz y que a la vez tenga congruencia y encuentro con los movimientos es una gran genialidad. A su vez, explica la artesanía con este tipo de música y la industria es acompañado por sonidos electrónicos, haciendo una analogía al trabajo y sus orígenes.

Me maravilla la astucia de Haanstra ya que hacer una joya tal y lograr que a los clientes les guste y que no sea regresado por algún elemento que el mal gusto de éstos pueda detectar, es un trabajo que pocos pueden hacer.

Vremena goda / Artavazd Peleshian (1975)

Esto y Life (1993) siempre estarán dentro de la lista de películas/cortos favoritos. Es sublime la manera en que Peleshyán forma estas imágenes en donde existe una cierta dualidad entre la interacción del humano y el animal, la naturaleza. Pareciera que el humano deja de tener consciencia de su origen y de cómo es un animal como tal. Por otro lado, este punto de vista se contradice por la explosión perceptiva y de manera maravillosa de todo aquello que es la naturaleza. Lo pone a su máxima potencia a partir de la música, Las cuatro estaciones de Vivaldi hacen que todo aquello que se vea tenga un ritmo, un sentimiento, un movimiento extra como dentro de su teoría lo expone con su Mover es conmover.

Pienso que Peleshyán es uno de los grandes y que sin él, mucho de lo que conocemos no se podría comprender; lo que él hace es una gran utilización del cine y una especie de fórmula para pseudo generar poesía dentro de las imágenes en movimiento. Lo demás corre a cuenta de la conceptualización y pensamiento del autor.

Fata Morgana / Werner Herzog (1971)

Hipnotizante es la palabra a la que me puedo referir siempre que hablo de ella. Cuando se ve esta gran obra de Herzog, el tiempo pasa de una manera muy extraña, los planos de la película pasan a descripciones surrealistas, la repetición de espacios siempre tienen una diferencia que si es notable, el espectador tiene otra cosa de la cuál pensar dentro del discurso de ésta.

Me parece que la narrativa de esta película es creada por lo que llegue a pensar y sentir el espectador. Herzog pone una pauta pero a partir de ésta se pueden desarrollar muchas otras variables. Un elemento que auxilia muchísimo a esta sensación, a esta manera de pensar es la música de Leonard Cohen, Third Ear Band y Blind Faith , la cual es colocada en momentos muy específicos y precisos.

A mí en lo particular me fascina la manera en que los planos tienen como horizonte la nada; como es una linea muy notable y que ya sea por paneos o por dollies, ésta se mantiene constante, fija. Obra maestra sin dudas.

Riso amaro / Giuseppe De Santis (1949)

El cine italiano casi nunca falla. Pienso que lo que hace Giusseppe De Santis en esta película es la utilización correcta de la yuxtaposición entre la realidad con sus elementos y la conversión de éstos en lenguaje cinematográfico para lo que uno quiere decir.

Los personajes de Doris Dowling y Silvana Mangano se manejan perfectamente como una dualidad, una comparación para el espectador de todos esos conceptos que tiene cada una de ellas, en cuestión material, filosófica y sus propósitos de vida.

Por otro lado, los recursos técnicos son impresionantes, parece irreal cómo con el peso de la cámara de esos años, se puedan hacer tales movimientos y planos; hay una serie de técnicas que ni en la actualidad los vemos, aunque se cuente con cámaras de menor peso y efectos visuales generados en computadoras.

El espíritu de la colmena / Víctor Erice (1973)

El director de esta película,Víctor Erice lleva al espectador a comprender la soledad y lo rezagada que se encuentra Ana, la pequeña protagonista de esta película. Cómo llega el sentido de su imaginación y de su universo a través de una película como Frankenstein y ésto lleva al entendimiento de lo que posteriormente encontraremos como su amigo, el joven fugitivo; quien es eliminado de su vida por ser asesinado y se genera así un lío dentro de la cabeza de la protagonista. Según mi visión es una película anacrónica donde el montaje hace que se comprenda el tipo de vida y la síntesis de lo que anteriormente se mencionaba.

Visualmente, siempre llega a tener congruencia con el título de la película, sus figuras siempre hacen alusión a las colmenas. Por otro lado, me da la impresión de que la fotografía está relacionada con Las Meninas de Diego Velázquez; que a su vez podría tener sentido por la profundidad con la que la pintura cuenta.

Lektionen in Finsternis / Werner Herzog (1992)

Este es un ejercicio que a través de la contemplación de imágenes se puede llegar a conclusiones y comprensión de situaciones políticas, bélicas. Cómo el humano es tan capaz de tener un sentido de destrucción por razones estúpidas y de carácter monetario, estratégico y de poder. Es impresionante ver estos chorros de petróleo siendo quemados; chorros de dinero, poder, muerte y sufrimiento de inocentes.

Pienso que todos los capítulos tienen cierta congruencia en su relación nombre-imagen, sin embargo creo que distrae mucho el discurso de la testigo en la totalidad y temática de la película. Aún así es interesante el gran sentido que hace toda la película sin las palabras a las que regularmente estamos acostumbrados.

Sommaren med Monika / Ingmar Bergman (1953)

Esta película habla de la verdad de la mujer, lo cruel que pueden llegar a ser y que la protección de género llega a ocultar o a maquillar. Pienso que Bergman busca la veracidad profunda en su película, en su discurso y que lo desarrolla en un universo hasta cierto punto fantasioso; no es necesario salir a vivir a una isla, marcharse en lancha sino que todo eso sucede día a día y que el sistema de parejas llega a experimentar.

Visualmente me parece que es una gran influencia para varias películas que le han seguido, una que inmediatamente vino a mi cabeza al estar viendo la película fue Moonrise Kingdom; el concepto de la huída con una chica a una isla, el tipo de isla, el medio por el cual llegan, me parece una gran copia de esta gran película de Bergman.

Araya / Margot Benacerraf (1959)

Esta película me recuerda a la intimidad del mundillo experimentado en Alambrista!, en un sentido de imágenes documentales más allá de la «ficción» creada en la película anteriormente mencionada. Me parece que la dificultad de la fotografía es grande ya que lograr una buena exposición bajo todos los elementos que rebotan o brindan tanta luz como la sal y el mar, casi desértico, bajo un sol impactante.

Es una temática que ya hemos visto a través del tiempo, la individualidad, la artesanía del trabajador contra la pluralidad y masa de las máquinas; aunque me parece que esta última parte es poco expuesta en la narrativa. Pero todo aquello mostrado del humano, de la persona y el esfuerzo es grandioso en cuestión de imagen y en poesía visual.

Uccellacci e uccellini / Pier Paolo Pasolini (1966)

Instantáneamente se convierte en una de mis películas favoritas, me parece sublime la manera en que Pasolini hace que un pájaro hable, que un salto de tiempo con los mismos personajes tenga sentido, que la religión tenga un sentido de humor y de mensaje directo hacia el espectador. El ingenio de Pasolini no deja de tener sentido ya que su discurso va más allá del mero entretenimiento, en realidad habla de algo, habla de una crítica social dura y concisa.

Me parece que el montaje y la creatividad dentro  de la película es brillante, es magistral cómo bajo un elemento tan básico pueden hacer que un pájaro tenga un discurso, que se entienda que unos franciscanos aprenden a comunicarse con las aves, cómo comprenden el lenguaje corporal de estos mismos.

La terra vista dalla luna / Pier Paolo Pasolini (1967)

Siempre he tenido un problema con ver el tipo de personajes exagerados como los que salen en este corto; me causa una especie de nausea la «ridiculización» del humano con estos cabellos naranjas, verdes sumados a una exageración de movimiento. Sin embargo, lo que hace Pasolini es crear un gran fondo dentro de este «caos» visual, la historia me parece una de las más honestas y reales que he visto. Creo que pocas películas me hacen reír en el momento y de manera tan cruda como ésta.

El personaje de Silvana Mangano me parece excelente ya que genera una empatía y una especie de comprensión aunque ésta ni siquiera hable. El único personaje que en realidad me desesperó por la inactividad que tiene en ciertas ocasiones es el de Ninetto Davoli pero en realidad entiendo la interacción entre estos tres, sumados a Totò.