El Verdugo / Luis García Berlanga (1963)

La fusión que hacen Luis García Berlanga, Nino Manfredi y José Isbert me parece impresionante. La convivencia y veracidad que es puesta en cuadro hace que te sientas en un contexto propio de su relación donde se incluye la hija del verdugo; se logra comprender y concentrar los problemas que tiene el enterrador al incluirse en un círculo familiar donde el ser verdugo es visto temerosamente por la sociedad y él que llegó a tener esos pensamientos, tendrá que estar inmiscuido en ese mal visto labor.

Me parece muy cómico y creativo el tema de esta película, ya que en lo personal nunca me había puesto a pensar en las personas que llegan a tener ese tipo de labores tan confusos moralmente; Berlanga me hizo ser consciente de situaciones que no existían en mi consciencia y todo desde un punto donde la risa es parte del ejercicio de reflexión de ficción y realidad.

Letyat zhuravli / Mikhail Kalatozov (1957)

Esta gran joya de Kalatozov se ha vuelto en una de mis películas favoritas. El trabajo de empatía es impresionante y todo creo que se logra a través de una yuxtaposición de lenguaje en cuestión física/sentimental y el lenguaje cinematográfico.

El trabajo del fotógrafo Sergey Urusevskiy es sublime; retratar tanta belleza y poesía dentro de una serie de eventos tan trágicos, me parece inconcebible; parecería que no hay manera de retratar la desesperación, tristeza de un ser tan hermoso como Tatyana Samoylove pero él lo hace y se logra tal empatía que dan ganas de poder recomfortarla.

Todos los movimientos de cámara parecen imposibles y propios de las películas de Kalatozov como Soy Cuba cuando la cámara registra una manifestación, se levanta en grúa (invisible), cruza la calle y se mete a un departamento de manera mágica.

Voskhozhdenie / Larisa Shepitko (1977)

Es evidente la dinámica de Elem Klimov y Larisa Shepitko. La relación de miradas y fuerza del discurso bélico-existencial, en un contexto de víctimas tan denso, ya tiene una marca de ellos dos.

Me impacta mucho la manera en que Larisa Shepitko forma una unidad entre los dos protagonistas y cómo la moral, los intereses propios del humano, hacen traicionar todo eso que se puede llegar a querer, a creer. Es increíble cómo Rybak ya había decidido terminar su vida para no caer, desistir de sus creencias y la persona que lo «salva» de la no existencia en el mundo, es quien más lo refunde en la suciedad nazi y traiciona con la presión de éstos.

En verdad me parece una película increíble y que me cuesta mucho trabajo ver ya que me hace comprender mucho de los humanos pero en un aspecto hasta cierto punto decepcionante.

Valerie a týden divu / Jaromil Jires (1970)

Una película donde se exponen los temas de la moral, de la sexualidad, de cómo la religión quiere plantar un sistema de pensamiento caduco y donde los introyectos provenientes de los familiares obedecen a la iglesia y al conservadorismo sin pensar suficientemente en la doble moral que contiene todo esto ni en las consecuencias que esto puede tener. Siendo cómplices de las secuelas.

Esta es una gran película, fotográficamente tiene unos encuadres y exposiciones que sólo de pensarlos tienen gran dificultan en descifrarse. El hecho de que todo lo anterior se represente por medio de magia, de mundos fantásticos con vampiros, monstruos y cierto tipo de príncipes me es fascinante ya que se complementa bastante bien con el trabajo fotográfico de que he hablado.

Pienso que es de las pocas películas que hablan de una gran verdad y que se pueden sacar tantas conclusiones de ella por el gran trabajo que hace Jaromil Jires con la conceptualización y fondo del discurso.

Ascenseur pour l’échafaud / Louis Malle (1958)

La música de esta película es absolutamente impresionante, y si ya lo es por el hecho de que la haga el gran Miles Davis, ésta explota de manera sublime por los momentos en los que aparecen las canciones.

Algo que vuelve a esta película en una de las grandes es el hecho de que a los máximo 15 minutos de haber empezado, la historia se parte en al menos cuatro posibilidades y éstas son desarrolladas por Louis Malle. Pienso que es un trabajo bastante bueno ya que hacen del espectador una especie de detective que va uniendo posibilidades a través de pistas que se tienen de momentos y lugares distintos donde la ironía nunca sale de la historia ya que la mayor y grande pista era una pequeñísima cámara que es expuesta casi desde un inicio.

Me parece un trabajo totalmente distinto a lo que he visto de Louis Malle pero sin duda uno de mis favoritos.

Die Brücke / Bernhard Wicki (1959)

Cada vez me gustan menos las películas de guerra, en un inicio veía los largometrajes de este tipo provenientes de gringos y por lo tanto con un todo farol y pretencioso de su manera de manejar asuntos bélicos; después comencé a ver cine más realista de guerras y este es el que más triste me pone (aunque no lo dejaría de revisar), me parece que refleja todos los asuntos de la sociedad a su máxima potencia. Es la delgada línea que, eliminada por la guerra, hace que todos los problemas de personalidad de los humanos se revolucionen y me da miedo que algo así pase en la actualidad.

Pasando al tema específico de la película, son una serie de jóvenes a los que se les hace fácil la vida y creen en el poder que puede dar un asunto bélico. Es por eso que emocionados acuden a lo que les solicitan aunque siempre esté la voz de los adultos, de los viejos que representa la madurez, advirtiéndoles de los peligros que ésta contiene. No es hasta que experimentan todos los daños y catástrofes que ocurren durante este evento que quieren salir, arrepentidos, de allí. Lo peor de esta situación es que solamente estaban cuidando un puente y que ese puente era insignificante para arriesgar la vida.

Pienso que lo que hace Wicki en esta película es una síntesis de lo que pasa en todas las guerras y se me hace un discurso bastante acertado en todos los sentidos de cómo se desarrolla la película.

Glas / Bert Haanstra (1958)

Otra gran joya del montaje. Este corto de encargo es evidencia de la imaginación y creatividad que un realizador puede tener; cuando Bert Haanstra decide acompañar la imagen con jazz y que a la vez tenga congruencia y encuentro con los movimientos es una gran genialidad. A su vez, explica la artesanía con este tipo de música y la industria es acompañado por sonidos electrónicos, haciendo una analogía al trabajo y sus orígenes.

Me maravilla la astucia de Haanstra ya que hacer una joya tal y lograr que a los clientes les guste y que no sea regresado por algún elemento que el mal gusto de éstos pueda detectar, es un trabajo que pocos pueden hacer.

Vremena goda / Artavazd Peleshian (1975)

Esto y Life (1993) siempre estarán dentro de la lista de películas/cortos favoritos. Es sublime la manera en que Peleshyán forma estas imágenes en donde existe una cierta dualidad entre la interacción del humano y el animal, la naturaleza. Pareciera que el humano deja de tener consciencia de su origen y de cómo es un animal como tal. Por otro lado, este punto de vista se contradice por la explosión perceptiva y de manera maravillosa de todo aquello que es la naturaleza. Lo pone a su máxima potencia a partir de la música, Las cuatro estaciones de Vivaldi hacen que todo aquello que se vea tenga un ritmo, un sentimiento, un movimiento extra como dentro de su teoría lo expone con su Mover es conmover.

Pienso que Peleshyán es uno de los grandes y que sin él, mucho de lo que conocemos no se podría comprender; lo que él hace es una gran utilización del cine y una especie de fórmula para pseudo generar poesía dentro de las imágenes en movimiento. Lo demás corre a cuenta de la conceptualización y pensamiento del autor.

Fata Morgana / Werner Herzog (1971)

Hipnotizante es la palabra a la que me puedo referir siempre que hablo de ella. Cuando se ve esta gran obra de Herzog, el tiempo pasa de una manera muy extraña, los planos de la película pasan a descripciones surrealistas, la repetición de espacios siempre tienen una diferencia que si es notable, el espectador tiene otra cosa de la cuál pensar dentro del discurso de ésta.

Me parece que la narrativa de esta película es creada por lo que llegue a pensar y sentir el espectador. Herzog pone una pauta pero a partir de ésta se pueden desarrollar muchas otras variables. Un elemento que auxilia muchísimo a esta sensación, a esta manera de pensar es la música de Leonard Cohen, Third Ear Band y Blind Faith , la cual es colocada en momentos muy específicos y precisos.

A mí en lo particular me fascina la manera en que los planos tienen como horizonte la nada; como es una linea muy notable y que ya sea por paneos o por dollies, ésta se mantiene constante, fija. Obra maestra sin dudas.

Riso amaro / Giuseppe De Santis (1949)

El cine italiano casi nunca falla. Pienso que lo que hace Giusseppe De Santis en esta película es la utilización correcta de la yuxtaposición entre la realidad con sus elementos y la conversión de éstos en lenguaje cinematográfico para lo que uno quiere decir.

Los personajes de Doris Dowling y Silvana Mangano se manejan perfectamente como una dualidad, una comparación para el espectador de todos esos conceptos que tiene cada una de ellas, en cuestión material, filosófica y sus propósitos de vida.

Por otro lado, los recursos técnicos son impresionantes, parece irreal cómo con el peso de la cámara de esos años, se puedan hacer tales movimientos y planos; hay una serie de técnicas que ni en la actualidad los vemos, aunque se cuente con cámaras de menor peso y efectos visuales generados en computadoras.